Выставка "BOHEMES" в Гран Пале, Париж 2012

Выставка в Гран Пале прослеживает трансформацию понятия «Богема» - от первоначального смысла до того его значения, который вошел в наш лексикон.
Фигура богемного представителя художественной интеллигенции впервые появилась в середине 19 века, в то время, когда в корне изменилось отношение общества к представителям творческих профессий. Талантливый молодой человек того времени уже не искал покровительства могущественного патрона, он предпочитал быть одиноким творцом, часто бедным и не понятым обществом. Романтизированный литературой и театром, богемный образ жизни стал очень популярным. Молодые художники, литераторы, актеры из многих стран съезжались в Париж, чтобы вести жизнь, которая была описана в модном тогда сборнике А.Морже «Сцены из богемной жизни» (Henri Murger «Scenes de la vie bohème» 1849)


Charles Amable Lenoir REVERIE


Само слово «богема» появилось гораздо раньше, в 15 веке, когда таким образом называли цыган, считая, что они пришли во Францию из Богемии. Еще одно название цыган - gypsy - происходит от прилагательного «египетский», т.к. по другой версии цыгане происходили из Египта. Отсюда - изображения Богоматери в сцене Бегства в Египет в цыганском головном уборе


Giovanni Andrea ANSALDO, The Flight into Egypt 1620s

На картинах 16 - 17 веков мы можем видеть каким образом представляли тогда цыган - загадочные, мистически связанные с природой, чувственные, ярко одетые, часто нарушающие закон.


CARAVAGGIO The Fortune Teller 1596_97


Georges de LA TOUR, Fortune Teller 1632_35


VALENTIN DE BOULOGNE Musician and Drinkers 1625

Образ цыган для многих художников того времени был олицетворением абсолютной свободы.


Frans Hals "The Gypsy Girl"

К концу 18 века термин «богема» становится синонимом нестандартного образа жизни, единства с природой.


George MORLAND, Gipsies c. 1800

Романтики начинают ассоциировать себя с живущими по собственным законам цыганами. Наиболее очевидно это во внешнем облике художников - так, Жерико и Делакруа отращивают волосы, носят шейные платки и темные накидки.


Att to Gericault Portrait of the artist in his studio


Self Portrait by Tommaso Minardi (1807)

Нищета становится важнейшим атрибутом богемного образа жизни - художники пишут свои портреты в бедных пустых студиях, акцентируя внимание зрителя не на внешнем антураже, но на богатом внутреннем мире.
В 1854 году Курбе пишет «Здравствуйте, господин Курбе», где изображает себя странствующим бедным художником, при встрече с которым богато одетый буржуа и его спутник уважительно снимают шляпы.



Первая часть экспозиции построена по хронологическому принципу. Вторая - так, чтобы создать максимально аутентичную атмосферу Парижа конца 19 века. Выставка превращается в театрализованное представление, где великолепные декорации дают нам возможность побывать в различных местах - на мансарде, в студии художника, в знаменитом кабаре «Проворный заяц» (Le Lapin Agile).


The store sign of the cabaret "Au Lapin Agile" Andre Gill


E.Degas Absinthe


The Gypsy Pierre-Auguste Renoir


The Trailers 1888 Vincent van Gogh

Но время богемной жизни прошло, и, констатируя это, кураторы завершают выставку графикой Отто Мюллера из его знаменитой «Цыганской папки», которые участвовали в знаменитой выставке дегенеративного искусства 1937 г.



Круг замыкается - в то время в нацистской Германии репрессировано было и искусство, и десятки тысяч цыган. Сначала Первая, а потом и Вторая Мировые войны ставит точку в этой удивительной истории, оставляя в прошлом романтизм и наивность парижской богемы 19 - начала 20 века. На авансцену выходит совершенно новое искусство.

Февраль в изображении средневековых миниатюристов

Февраль - название идет от ритуала очищения «Februa», который римляне соединили с праздником Луперкалий, посвященному богу плодородия Lupercus. Это языческий праздник проходил в середине февраля, а в конце V века Папа заменил Луперкалии празднованием Дня Святого Валентина. От Луперкалий берет свое начало традиционный февральский карнавал.

Именно такой карнавал изображает Каспара Люйкена - человек в шутовском наряде, с предметами, на которых он, дурачясь, играет как на музыкальных инструментах.

В левом верхнем углу - астрологический знак Рыб, тогда, видимо, соответствующий больше февралю, чем марту.





В средние века в качестве занятий, соответствующих февралю, мастера-миниатюристы часто изображали заготовку хвороста


Часослов XV-XVI век, Бельгия


Часослов XV-XVI век

или фигуру человека, греющегося у огня


Часослов XV век, Франция


Часослов XV-XVI век, Франция (здесь очень хорошо видно, что зодиакальный знак, который по мнению миниатюристов того времени, соответствовал февралю - это рыбы)

несколько сюжетов могли изобразить вместе на одной странице


XV век, Италия

Замечательно изображение февраля в Роскошном Часослове герцога Беррийского


И вот очевидный последователь братьев Лимбург - автор февральской миниатюры из Бревиария Гримани, выполненного через сто лет после Часослова герцога Беррийского


Еще несколько интересных миниатюр из средневековых часословов -

Соколиная охота

Часослов XVI век, Франция

Работа на винограднике (чаще этот сюжет изображали в марте)

Часослов XVI век

И замечательная аллегория февраля - уже не средневековая миниатюра, но очень колоритный персонаж

Иоахим вон Сандрарт 1642

Marius de Zayas

Продолжаю тему ярких нью-йоркских впечатлений - сегодня о блестящем иллюстраторе Мариусе де Зайасе (Marius de Zayas).

Вот так он изображал своего друга Альфреда Штиглица


1909


1910



1913



Де Зайас (1880-1961) приехал в Нью-Йорк из Мексики, работал иллюстратором в газете, вскоре его ироничные, острые карикатурам на персонажей нью-йоркского общества стали популярны. В 1909 году Альфред Штиглиц устраивает выставку де Зайса в галерее «291», через год - еще одну выставку, на которой представленные карикатуры были вырезаны в человеческий рост из картона и расставлены на деревянном помосте, имитирующем 5-ю Авеню. Выставка имела такой огромный успех, что экспозицию не демонтировали целых полгода.


Madame-Hanako 1908


Harry Houdini 1910


Gertrude Vanderbilt Whitney 1908


Alla Nazimova


Al Jolson 1910

В 1910 году де Зайас едет в Париж, где видит кубистические работы, знакомится с Пикассо и, воспользовавшись тем, что родной язык для них обоих - испанский, берет у него первое большое интервью, в котором Пикассо делится взглядами на собственное творчество.


Auguste Rodin and Edward Steichen 1910

По возвращении в Нью-Йорк де Зайас рекомендует Штиглицу обратить внимание на африканское искусство и вскоре в галерее «291» открывается первая в США выставка африканского искусства. Именно по совету де Зайаса Штиглиц приглашает в галерею Пикабиа и Дюшана. Де Зайас принимает активное участие в подготовке издаваемых Штиглецем журналов «Camera Work» и «291».


Francis Picabia 1914


Guillaume Apollinaire 1914

Под влиянием нового искусства меняется стиль самого де Зайаса - его шаржи становятся более геометричными, иногда даже кубистическими.


Theodore Roosevelt 1913

В 1915 открывает собственную галерею (The Modern Gallery, впоследствии переименовал ее в De Zayas Gallery), после чего Штиглиц разорвал все отношения с де Зайасом. «The Modern Gallery» стала прямым конкурентом «291» - там прошли выставки Брака, Пикабиа, Бранкуши, Риверы. Де Зайас организует первую персональную выставку Пикассо в Америке.

В 1916 году де Зайас публикует одно из первых исследований современного искусства - A Study of the Modern Evolution of Plastic Expression.

После закрытия галереи в 1919 году он переехал в Париж, занимался организацией выставок, писал критические статьи. Вернувшись в Штаты написал воспоминания о том времени, когда авангардное искусство впервые было представлено американской публике.

Выставка Maurizio Cattelan: All

Если составлять мой личный рейтинг выставок современного искусства, увиденных в прошлом году, то выставка Maurizio Cattelan: All в Музее Гуггенхайм в Нью-Йорке заняла бы в нем первое место. Здесь восхищает все - и личность художника, и его произведения, и, конечно, нестандартная идея куратора - выставить работы «хулигана» Каттелана таким необычным образом. Все они подвешены к потолку музея в виде гигантского фестона и зрители, поднимаясь по рампе имеют возможность рассмотреть все это сначала кажущееся хаотичным нагромождение восковых скульптур, чучел животных, различных объектов, представляющих весь творческий путь художника.



Ниже - мой вольный перевод аннотации выставки с сайта музея и несколько фотографий, которые, к моему большому удивлению, разрешали делать обычно очень строгие смотрители музея. Возможно, просто устали бороться со зрителями, которые как дети радуются возможности снять на память чучело ослика, милейших каттелановских собачек, или самого воскового художника, весело катящего куда-то на игрушечном велосипеде.



Признанный провокатор и хулиган современного искусства Маурицио Каттелан создал самые незабываемые произведения нашего времени. Источниками его творчества служит весь спектр социальных явлений: попкультура, история, религия. Кателлан работает в стиле гиперреализма, он создает удивительно натуралистичные скульптуры, обнажающие проблемы современного общества, но при этом сделанные с в ироничной, а чаще в сатирической манере.

Каттелан родился в Падуе, в юности испытывал финансовые трудности, поменял несколько малооплачиваемых занятий. Эти годы, с одной стороны, воспитали у молодого человека нелюбовь к монотонной работе, с другой - научили его не признавать никаих авторитетов. И та, и другая тенденции явно прослеживаются в ранних работах художника. Сам он описывает 80-е и начало 90-х годов как «чувство, что ты не в состоянии сделать что-либо». Неуверенность, страх неудачи очевидны в ранних перформансах Кателлана. Так, на своей первой персональной выставке в 1989 году Каттелан просто закрыл галерею и повесил табличку Torno subito (Скоро буду). В 1992 году Каттелан выставил в Туринской галерее канат из связанных простыней, свешивающийся из открытого окна. А на Биеннале 1993 года он представил объект под названием «Working Is a Bad Job» - плакат, рекламирующий новый парфюм.

Отсутствие уважения к общепринятым нормам приводит к тому, что художник работает на грани допустимого, причем его произведения иногда имеют очевидно криминальный характер. Для выставки 1996 года в Амстердме он украл все объекты, выставленные другим художником в галерее, находящейся неподалеку, и выставил их как свои собственные (Another Fucking Readymade, 1996), пока полиция не потребовала вернуть все на место под угрозой ареста.

Анархистские настроения Каттелана распространяются и на его отношение к теме итальянской национальной идеи, политических и социальных проблем его родной страны. В ответ на волну ксенофобии начала 90-х Каттелан сформировал футбольную команду, состоявшую из североафриканских эмигрантов. Они играли как на настоящем футбольном поле, так и в настольный футбол, установленный в художественных галереях. Игроки были одеты в форму с надписью Rauss, напоминающей о нацистском лозунге Juden raus («Евреи вон»).

Каттелан использует собственную личность как основу для своих работ. Он создает несколько серий работ в которой он показывает себя самого. Например, в скульптуре 2000 года We are the revolution, маленький Каттелан подвешен за воротник к металлической вешалке. А в 2001 году в Художественной галерее Роттердама, в зале старых мастеров выставляет скульптуру, натуралистично изображающую его голову, выглядывающую из дырки в полу. Некоторые из работ Каттелана не такие прямолинейные - так, в 2008 году в ротонде музея Гуггенхайм в Нью-Йорке он выставляет другого строптивого итальянского мальчика - Пиноккио, которого он подвешивает лицом вниз как будто тот рухнул вниз с рампы музея.

В работах Каттелана очень много иронии, но они, прежде всего , результат размышлений художника на тему морали. Ему интересно противостояние жизни и смерти, не случайно постоянное возвращение Каттелана к использованию таксидермии. Также среди наиболее известных проектов - реалистичные восковые изображения известных личностей. Например, работа La Nona Ora (Девятый час), 1999, его известнейшая скульптура Папы Ионна Павла II сраженного метеоритом и Him, 2001, изображающая Адольфа Гитлера смиренно стоящего на коленях и одетого в костюм мальчика.

Творчество Каттелана сложно собрать вместе в каком-то привычном выставочном формате. Выставка Maurizio Cattelan: All - это попытка представить работы художника вне хронологии и привычного галерейного контекста. Гигантская инсталляция в Гуггенхайм - тоже произведение искусства, собравшее практически все важнейшие работы художника.















Выставка "Renaissance Portrait: from Donatello to Bellini" в Метрополитан

В Метрополитен сейчас идет выставка «Renaissance Portrait: from Donatello to Bellini», на которой собрано около 160 работ итальянских мастеров XV века, на которой я была перед НГ. Причем представлена не только живопись, но и скульптура, графика, книжная миниатюра, медали.


Antonio del Pollaiuolo, «Portrait of a Lady» 1460-65 Oil and tempera on poplar panel

Ниже - наиболее запомнившиеся мне произведения и вольный перевод пресс-релиза, опубликованного на сайте музея

На выставке собраны работы выдающихся мастеров - Донателло, Боттичелли, Мантенья, Антонело да Мессина, Пизанелло, Гирландайо, которым удалось создать удивительные образы современников - выдающихся правителей, кондотьеров, священнослужителей, ученых, поэтов, аристократии. Лица впервые обретают подлинно портретное сходство и отражают индивидуальный характер. Развитие жанра портрета в эпоху Возрождения было обусловлено прежде всего социальными факторами - интересом к индивидуальности, поиском новых идеалов, формированием соответствующего этим настроениям представления о прекрасном.
Портреты вошли в моду - их заказывали на память о значительном событии - свадьбе, военной победе, рождении наследника, а также и для того, чтобы запечатлеть свой образ для потомков.
На выставке собраны произведения из многих коллекций, что позволило кураторам наиболее полным образом раскрыть тему развития жанра в Италии XV века. Выставка разделена по географическому принципу на три основные части - начинается с Флоренции, где появились первые заказные портреты, далее представлено творчество мастеров Центарльной Италии - Феррары, Мантуи, Болоньи, Милана, Урбино, Неаполя и Рима, и заканчивается экспозиция работами венецианских мастеров.
Во Флоренции наиболее разительные перемены сначала произошли в скульптуре и только затем открытия, сделанные скульпторами, были взяты на вооружение живописцами. Важную роль в развитии жанра сыграло медальерное искусство - именно на медалях было максимально портретное изображение. Медали можно было выпускать в сравнительно большом количестве и они были долговечны, так что профильное изображение, характерное для монет и медалей долгое время было очень популярным, доминирующим и в живописном портрете. Но, благодаря творчеству Антонелло да Мессина и Джованни Беллини, которые стали изображать своих персонажей в трехчетвертном развороте, в портрете художника начинает интересовать передача характера, деталй интерьера и костюма.

Donatello, Reliquary Bust of San Rossore Ca. 1425 Cast bronze, chased, engraved, and gilded


Masaccio «Portrait of a man» (1426-27)


Paolo Uccello or eventually another Florentine artist of the same time, «Portrait of a young man» (1430-40)


Domenico Veneziano (formerly attributed to Paolo Uccello) «Portrait of a young man» (~1441)


Fra Filippo Lippi «Portrait of a Woman with a Man at a Casement» 1440


«Portrait of a Woman» Italian (Florentine) Painter, ca. 1440–50


Fra Filippo Lippi «Portrait of a Woman» (1445)


Pisanello - Leonello d'Este [7] (1443)


Pisanello - Leonello d'Este [3] (1441-43) verso


Antonio Rossellino (workshop) Cosimo il Vecchio de' Medici (1460)


Leonardo da Vinci - Study of Lorenzo de' Medici. Windsor Castle Royal Collection


Orsino Benintendi - cast of the death mask of Lorenzo de' Medici


Niccolo Fiorentino. Girolamo Savonarola (1491-98)


Mino da Fiesole - Bust of Niccolo di Leonardo Strozzi (1454)


Desiderio da Settignano. Bust of Marietta Strozzi(?) (~ 1462)


Piero del Pollaiuolo «Portrait of Galeazzo Maria Sforza» (1471)


Antonello da Messina «Portrait of a Young Man» 1478 Oil on walnut panel


Pietro di Spagna «Federigo da Montefeltro and His Son Guidobaldo» 1476-77 Oil on fir


Sandro Botticelli «Portrait of a Lady at a window» (1470-75) Smeralda Bandinelli, wife of Viviano de Brandini, London Victoria and Albert Museum


Lorenzo di Credi «Portrait of Ginevra de Benci» (1475) Metropolitan Museum


Domenico Ghirlandaio «Portrait of an old man with a child» (1490)


Giovanni Bellini. «Fra Teodoro of Urbino as Saint Dominic» 1515 oil on canvas


Fra Angelico «Head of a cleric» (1448)


Domenico Ghirlandaio «Bust of a woman with bonnet» (1489-90) Collection of Duke of Devonshire


Domenico Ghirlandaio «Head of an old woman with veil» (1489-90)

В «Трактате о живописи» в 1435 г. Леон Батиста Альберти писал: «Живопись обладает поистине чудесной силой - она не только делает отсутствующее присутствующим, но и представляет умерших живым много веков спустя, так, что они становятся узнаваемыми зрителями, которые испытывают восхищение мастерством художника».